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La historia que narra este film está inspirada en la increíble hazaña lograda por Ramon Arroyo, quien tras ser diagnosticado esclerosis multiple logró terminar con éxito una de las pruebas deportivas más duras del planeta: el Ironman.
Un verdadero ejemplo de vitalidad, superación y lucha. Un hombre al que le aseguraron que en pocos meses no sería capaz de andar ni 100 metros y que no obstante logró superar la prueba más exigente en triatlón, la cual consta de 3,86 km de natación, 180 km de ciclismo y 42,2 km de maratón.
Si bien es una pelicula dramatica en su fondo, toma acertadamente un prisma vitalista, esperanzador y optimista. Una sabia lección de vida que nos muestra que en la mayoría de las ocasiones nosotros podemos ser nuestro mejor amigo y que con ganas, fuerza e ilusión si quieres puedes conseguirlo.
Nuestro protagonista, Ramón (Dani Rovira), tiene en este aspecto dos grandes aliados en los que podrá apoyarse durante las adversidades que irán surgiendo en su lucha: su mujer, Inma (Alexandra Jiménez), y su suegro, Manolo (Karra Elejalde).
El director Marcel Barrena ha sabido tratar con la sensibilidad y el respeto necesarios una historia tan dura pero a la vez tan esperanzadora como ésta. Así, 100 metros, es capaz de introducir al espectador en un profundo viaje por las más diversas emociones donde encontraremos emotividad y situaciones cómicas pero siempre sin olvidar darle la visibilidad necesaria a una enfermedad aún bastante desconocida para el gran público. -. Se presenta una dupla de personajes que se odian y se necesitan a parte iguales, regalándonos así los momentos más simpáticos y entrañables de la cinta. La química entre ellos se palpa, logrando transmitirnos esa cercanía con los personajes tan necesaria para que el espectador se involucre en la historia de Ramón.
Esta película está sirviendo, sin duda, para aumentar la visibilidad de la Esclerosis Múltiple, una enfermedad a día de hoy poco conocida entre la población. La Esclerosis Múltiple es una enfermedad degenerativa y crónica, que hoy en día no tiene cura.
El tema principal de la película, de nombre homónimo, es una emotiva pieza compuesta por la cantante Amaia Montero (ex Oreja de Van Gogh) y Lucas Vidal, uno de los compositores de cine más relevantes de la actualidad.
A Ramón Arroyo le diagnosticaron Esclerosis Múltiple a los 32 años. En ese momento, en que la actividad física se consideraba perjudicial para las personas afectadas por la enfermedad, le dijeron que, lejos de poder correr, en unos meses no sería capaz de caminar ni 100 metros; 9 años después, a sus 41 años, su mujer y sus dos hijos pudieron acompañarle en uno de los momentos más emocionantes de su vida: cuando el 6 de octubre de 2013 cruzó la línea de meta tras completar los 3.800 metros a nado, 180 km en bicicleta, y 42 km y 195 metros a pie de una prueba de IronMan; considerada una de las más duras en el mundo deportivo.
Esta hazaña se enmarcaba en el reto “IM4EM“, un desafío planteado por Ramón en colaboración con Esclerosis Múltiple España y Genzyme, que tenía como objetivo la sensibilización social sobre la Esclerosis Múltiple, y la concienciación acerca de la importancia de la actividad física en personas afectadas por la enfermedad.
Durante los últimos años, además, Ramón ha participado en múltiples charlas y conferencias, donde ha animado a las personas con EM a realizar actividad física – cuyo beneficio está ya ampliamente demostrado- y también a forzar sus límites para alcanzar sus propias metas, sus propios “IronMan”
Por que "100 Metros? Porque visibiliza una enfermedad poco nombrada: la esclerosis multiple, por que nos muestra hasta donde pueden llegar las limitaciones provenientes de nuestros pensamientos, porque nos enseña a ser nuestro propio amigo en situaciones adversas, por el valor de la lucha.
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Margarita, with a Straw (Margarita con un sorbete) una pelicula india de Shonali Bose y Nilesh Maniyar trata de una potente y emotiva historia que impacta y nos brinda un relato honesto sobre una joven mujer que busca su identidad y lugar en el mundo y los múltiples problemas que tiene que enfrentar para definirse como ser humano en un mundo tan agresivo. Es una oda a la valentía y la esperanza construida con una narrativa sencilla que no abusa ni de su tema ni de su trama, lo que le permite a sus personajes evolucionar de forma natural y conectar con el espectador emocional y mentalmente.
Laila (Kalki Koechlin) es una entusiasta joven con parálisis cerebral talentosa para las letras, con muchos sueños; tras sufrir una decepción amorosa, Laila y su madre Shubhangini se mudan a Nueva York en dónde Laila, ha ganado una beca de escritura creativa. En la ciudad de la gran manzana la joven cuestiona los paradigmas que la rodean desde que nació tras conocer a Khanum (Sayani Gupta), una joven activista ciega de origen pakistaní que la ayuda a descubrir nuevas formas de ver la vida.
Los cuestionamientos que tiene Laila a lo largo del filme, son tratados a profundidad de manera respetuosa y visualmente representados con mucha inteligencia, estos elementos técnicos sumados a la actuación de Kalki Koechlin convierten a la película en una agradable experiencia audiovisual.
El personaje de Laila, brillantemente interpretado por Kalki Koechlin, se aleja de la representación morbosa o patética y trae a la vida a un personaje que poco a poco se sorprende de su intenso y poco explorado mundo interno. Laila, quien estudia en la Universidad de Delhi debe desplazarse en silla de ruedas dada su parálisis cerebral, que ademas afecta su habla pero en ningún caso limita su increíble capacidad intelectual, su buen humor o su innegable carisma.
Ella vive con su madre Shubhangini (Revathy), su padre Baljit (Kuljeet Singh) y su hermano Monu, que configuran un núcleo familiar lleno de amor y devoción. A estos inestimables apoyos, se unen sus compañeros de universidad, de entre los que destaca Dhruv (Hussain Dalal), quien también sufre parálisis cerebral. Laila no entiende de limitaciones y se esfuerza por llevar una vida completamente normal, ayudada por su entorno, por lo que además de estudiar (con brillantes resultados) participa en una banda de rock junto a otros compañeros. A pesar de la enorme inclusión que se percibe a su alrededor, Laila deberá enfrentarse al desamor cuando Nima (Tenzing Dalha), el líder de la banda del que siempre ha estado enamorada, la rechace.
Su madre la motivara para que acepte la oferta de proseguir sus estudios en la Universidad de Nueva York. La estancia de Laila en la Gran Manzana consigue que abra los ojos a nuevas experiencias y conozca gentes de todo tipo y condición, como su guapo compañero de clase, Jared . No obstante,la conexión que acabará por desbaratar su mundo será Khanum , una joven ciega de madre pakistaní y padre bangladesí, con la que iniciará una relación amorosa que le hará replantearse su propia concepción del amor, de la vida y de sí misma
Hablar de ciertos temas como son la sexualidad, crecer dentro de una sociedad indiferente o las emociones de personas con capacidades diferentes, de forma lenta pero firme están dejando de ser tabú, para convertirse en genuinas exploraciones que más allá de utilizar su tema para manipular al espectador, se preocupan por mostrar historias inteligentes e inclusivas que nos den otra perspectiva alejada de la compasión lacrimogena artificial.
En ese sentido la directora, Shonali Bose, crea una película humana y congruente con el mensaje que quiere transmitir que termina siendo un gran y grato relato. La película permite un análisis en profundidad puesto que trata temas de interés social que apenas están presentes en ninguna cinematografía, asiática o no. Por un lado, el aspecto más evidente es el de la discapacidad, que ha tenido una escasa visibilidad en el séptimo arte. Las múltiples capas y pequeñas historias que componen Margarita with a Straw, hacen posible diferentes lecturas, todas ellas muy interesantes. Así pues, tal vez la más evidente sea la de dignificar y dar visibilidad a los discapacitados, narrando con verismo casi documental escenas de una intimidad sobrecogedora.
El tema principal de la película escapa a un análisis concreto sobre los muy diversos (e interesantes) aspectos que trata el filme, ya que la verdadera clave de la historia –su moraleja, si quiere decirse- es el amor, en todas sus formas, ya sea este de tipo maternal o sexual, o meramente platónico, pero sobre todo la aceptación del propio yo. Estamos frente al llamado arquetipo del viaje del heroe (heroina en este caso), Laila recorrerá medio mundo para volver al punto de origen, pero por el camino aprenderá la valiosa lección que supone el aceptar las propias limitaciones y también sus enormes cualidades, y abrazar la oportunidad de quererse a sí misma, aunque sea disfrutando a solas de un margarita... con un sorbete.
Por que "Margarita with a Straw"? _ Por ser una bella fábula contemporánea sobre el amor y la aceptación personal; por combinar sexualidad y discapacidad desde un tratamiento sincero combinando humanidad y humor en partes iguales, por presentarnos aspectos que hablan de la feminidad, la liberación de la mujer y su rol en la sociedad actual y en diferentes culturas (Oriente y Occidente)
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*** ELLING es un film realmente entrañable, agil y bello, una fabula de la realidad de personajes queribles.
Nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa (2001). Mención Especial a Nuevos Directores y Premio del Jurado de la Juventud en el Festival de Cine de San Sebastián y otros reconocimientos, es una película que a diferencia de otras que han abordado el tema de la salud mental desde diferentes ángulos y casi siempre han reforzado los tópicos que persisten acerca de la población afectada: violencia y establecimientos con tratamientos inhumanos, Elling, sin embargo, aborda una nueva perspectiva con un tono mucho más amable sobre la integración del enfermo mental en la comunidad. Mediante las vivencias de sus protagonistas se podrán vislumbrar las dificultades de convivir lejos de la institución en la que estaban confinados. Posee un enfoque que se podría denominar tragicómico, tendiente a alejarse del habitual tratamiento en el cine sobre manicomios lóbregos y pacientes con tendencias criminales para mostrar la experiencia de dos personas con enfermedad mental que abandonan su internamiento para convivir en un piso tutelado en pleno centro de Oslo
Elling pierde a su madre con la que ha convivido toda la vida y es internado en una institución mental. Tras un periodo de dos años, él y su compañero de habitación Kjell Bjarne son trasladados a un apartamento en Oslo donde deben ser capaces de valerse por sí mismos. La asistencia social noruega les ha concedido esa oportunidad y no quieren desaprovecharla. Esa nueva vida presenta numerosos obstáculos que deberán ir venciendo, además de comenzar relaciones con otras personas de su entorno que pondrán a prueba su habilidad para integrarse con normalidad en la capital noruega.
El relato que hace su protagonista, Elling (Per Christian Ellefsen), va dando claves para entender su comportamiento inadaptado y acerca con ternura al espectador a los miedos y a las dificultades que una persona con su enfermedad tiene en la vida diaria. Debe vencer, como él dice, a los dos enemigos que le siguen a todas partes: el vértigo y la ansiedad.
A Elling le cuesta entender por que tanto el como Kjell Bjarne, su compañero, deben plantearse continuas salidas a la calle, sea al supermercado (que le provoca un ataque de ansiedad), al cine o cenar en un restaurante si cuentan con un departamento para ellos solos. Elling evita salir a la calle, eligiendo quedarse limpiando o leyendo. Kjell Bjarne prefiere salir, encargarse de las compras y cocinar; no obstante es incapaz de preocuparse por su higiene personal durante semanas.
Poco a poco, ambos conociendo qué es la vida: la amistad, la responsabilidad, el amor, el sexo... Llegada la Navidad aparecera en sus vidas su vecina Reidun Nordsletten (Marit Pia Jacobsen); quien hallandose encinta y cumpliendo años, obligara a los protagonistas a alejarse de su retórica del desamparo. Posteriormente, tambien aparecera en escena un nuevo y extraño personaje, Alfons, que conocera Elling en una de sus salidas.
Gracias a la amistad y al amor, Alfons y Redun son los personajes redentores de Elling y Kjell Bjarne, situaciones vivenciales entre ellos representaran las metáforas para la ansiada emancipación de nuestros protagonistas.
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"" Un ángel en mi mesa, título extraído del segundo volumen de memorias de la escritora neozelandesa Janet Frame (siendo el primero To the Island y el tercero Envoy of the Mirror City, denominándose así los tres segmentos en los cuales se divide la película) no es ninguna diatriba contra las calamidades del sistema hospitalario. En realidad, ni siquiera es la parte con mayor peso del film ni aquella en la cual se focaliza ningún tipo de discurso; es sencillamente otro momento en la vida de una mujer, la mencionada escritora, narrado con mezcla de extrañamiento, naturalidad y onirismo
La directora Jane Campion nos ofrece la autobiografía de la escritora Janet Frame, sembrada por las desdichas de la vida humana y por la delicadeza de un alma sensitiva. Tiene también, la sensibilidad necesaria para sin caer en el melodrama, hacer vibrar nuestra alma de espectadores por los infortunios que le acontecen a este ser humano.
El film abarca infancia-juventud-madurez, aunque no de modo exclusivo sino perfectamente interrelacionado, no mediante flashbacks sino mediante un simbolismo (el coro de las hermanas en la playa,) que retrotrae constantemente a personaje y espectador.
De igual manera, sienta las bases del gran hallazgo de la cinta: su tratamiento cromático de índole simbolista con la presencia, en distintas gradaciones dependiendo del estado de ánimo del personaje central —saturados para los recuerdos infantiles; fríos para las estancias en el manicomio; cálidos para el viaje por Europa; naturales para el regreso a casa—, del verde, el rojo, el azul, el marrón y el amarillo.
Esta muy hermosa y muy significativa particularidad, junta al enormemente trabajado empleo del paisaje, o más bien de cómo se encuadra el paisaje y se repiten estos encuadres: por ejemplo, Janet regresando a casa recortada contra una escarpada cuesta de hierba, primero con su hermana, luego ya sola, o el ataque de angustia durante la visita del inspector escolar resuelto con un plano que muestra al personaje encarado con un encerado, de modo análogo a cómo lo estuvo de niña tras repartir unos chicles en su clase.
Errónameante diagnosticada como esquizofrénica, Janet Frame pasó ocho años de su juventud hospitalizada en un manicomio y sometida a tratamiento de electroshock que pretendían curar una enfermedad inexistente a través de enmudecer a un yo doliente.
.Años más tarde, durante una estancia becada en Londres y sumida de nuevo en un periodo de desorientación, Frame regresó voluntariamente, como había hecho durante su juventud, al psiquiátrico. Allí el doctor Alan Miller determinó que, en realidad, nunca había padecido esquizofrenia y que partes de las secuelas que arrastraba eran producto de los tratamientos habituales de la medicina psiquiátrica de los 50. Su decisión fue desviarla hacía el psicoanálisis y potenciar la introspección con base en su enorme talento literario. Nunca más regresó a ningún manicomio.
De naturaleza ya tímida de por sí, su ondulado cabello rojo y sus dientes cariados hacían que se encerrase aún más en la lectura, su único placer.
La película muestra fielmente cada episodio dentro de la vida de Janet Frame y la fotografía se vuelve espectacular cuando el ambiente es espectacular y retraída y oscura en los interiores del alma de Janet.
Por que "Un angel en mi mesa"? - Porque nos permite conocer una gran destacada escritora a traves de su autobiografia; porque muestra los errores diagnosticos de la ciencia al no aceptar a aquellos que estan fuera de lo "norma establecida", porque nos muestra el arte, aqui la escritura, como herramienta necesaria para la Resiliencia.
En la fotografia vemos a Janet Frame junto a
Karen Fergusson, Alexia Keogh y Kerry Fox quienes encarnaron la niñez, juventud y madurez de la escritora en el film.
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| " A veces perfectos extraños se convierten en mejores Amigos." |
Simplemente, estamos frente a una película de aceptación y amor; de amistad y perdón y de salud mental a través del stop-motion de simpaticos muñecos de plastilina que lograran despertarnos emociones de lo mas intensas y diversas. Realizada en el año 2009 y con las voces grabadas por dePhilip Seymour Hoffman, Toni Collette y Eric Bana, ha obtenido varios premios y un amplio reconocimiento critico.
"Una niña solitaria y un hombre autista, que se sienten y encuentran muy solos en el mundo entablan una particular y sincera amistad, creando un delgado pero resistente hilo que se tornara lo mas importante y potente de sus vidas". Basada en una historia real sucedida aproximadamente en 1976 y situada entre Australia y Nueva York, la protagonizan estos seres animados quienes convierten el film en un largometraje gracioso y entretenido por momentos y en otros da forma a la desgarradoramente emotiva historia de Mary y Max,,
No presenta diálogos directos, si no que siempre es el narrador quién cuenta la historia de
Por otra parte, en Nueva York, vive Max quien supera considerablemente la edad de la niña, ya que tiene 44 años. A él también le gustaban «Los Noblets» los mismos personajes que le gustan a Mary, tiene como mascota un pez, a quién siempre nombra como Henry mas el número romano que correspondiese, pues lo va sustituyendo a por uno nuevo dado que todos suelen morir en extrañas circunstancias. Añora tener amigos, como le sucede a Mary, pues dada a su condición de Aspie (Asperger) le cuesta relacionarse cara a cara con los demás. Su rutinaria vida gira en torno a ciertas obsesiones como la ropa, pues todo su armario se compone de las mismas prendas, y la lotería, cuyos idénticos dígitos llevaba jugando durante 9 años. Ha tenido múltiples trabajos, todos ellos diferentes entre sí y tiene problemas con el sobrepeso, y otros problemas, asiste a sesiones grupales y a un psiquiatra individual.
La pelicula al hablar, a traves de Max, del Síndrome de Asperger lo hace de una forma cercana, naturalizada, personaje considera que ser un "Aspie" es parte de su persona, y curarlo y hacerlo desaparecer sería como cambiar el color de sus ojos. Aceptacion y Amistad son dos de los conceptos que sobrevuelan durante toda la pelicula; cada espera de una nueva carta, tanto de uno como del otro, y las sensaciones que esto conlleva son las que toda persona vive al sentirse escuchado y acompañado verdaderamente sin juicios ni prejuicios. Eso que todos queremos sentir, que conocen nuestro interior y aun asi no nos abandonan. Tomando prestadas estas palabras que lo resumen todo: "Lágrimas de verdad, y sonrisas tristes en este original y tragicómico canto al amor en el que el chocolate y la leche condensada, junto con el lazo de su amistad, son lo más dulce en las duras vidas de Mary y Max."
Por que Mary and Max? Por que nos enseña que tenemos querernos tal como somos, con defectos y virtudes; por que hace sencillo de explicar el Sind de Asperger; porque es una historia llena de vida con todo lo que esto implica y en especial porque nos enseña que la familia no podemos elegirla pero debemos aprender a aceptarla, pero los amigos sí y a ellos hay que cuidarlos. Aceptacion, Amistad y Amor.
«Las vidas de todos, son como una larga acera. Algunas están pavimentadas. Otras, como la mía, tiene grietas, cáscaras de plátano y colillas. Tu acera es cómo la mía pero probablemente con menos grietas. Ojalá algún día nuestra aceras se encuentren y podamos compartir una lata de leche condensada» (carta de Max a Mary).
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| 1 de diciembre dia de la lucha contra el SIDA: THE NORMAL HEARTH, nuestra recomendacion. |
“The normal heart” (2014) dirigida por Ryan Murphy es la adaptación televisiva de la obra semi-biográfica del mismo nombre de Larry Kramer, un activista gay que a principios de los 80’s vio el nacimiento de una enfermedad desconocida y mortal que luego sería conocida como SIDA (síndrome de inmunodeficiencia humana).
La película nos muestra como Ned Weeks (alter ego de autor, interpretado por Mark Ruffalo) comienza una involuntaria cruzada, por dar a conocer y prevenir, primero a sus amigos y luego a todo quien quisiera escucharlo, sobre “el cáncer gay” del que no se conocen motivos, no se sabe cómo se transmite y lo peor de todo, no se sabe cómo curar.
Su investigación lo lleva a conocer a la doctora Emma Brookner (Julia Roberts), la única persona con cierto conocimiento de la enfermedad debido a los muchos casos de pacientes gay que estaba recibiendo y tratando, dentro de lo que se podía hacer en ese momento. Así Weeks trata de hacerse oír, sólo para encontrarse con la apatía y desinterés de su propia comunidad y de la comunidad cientifica.
También el fim da cuenta sobre pérdidas profundas, la pérdida del ser amado, de la inocencia, de la fe en las personas y la pérdida de la persona misma en una batalla demasiado rápida frente a algo demasiado grande. Como asi también está la pérdida de la fuerza interior, porque todos los personajes, en algún momento se quiebran y muestran su frustración, su rabia y su pena enorme frente a la nula reacción de las autoridades de salud y de gobierno y uno se quiebra con ellos.
Como dice Tommy, el personaje de Jim Parsons, en una de las partes más emotivas de la película “¿Por qué nos dejan morir? Esta es la verdad, la respuesta… porque no les gustamos”.
Hoy dia el VIH es una enfermedad crónica que con el tratamiento adecuado se puede vivir sin problemas una vida normal, siempre sera mejor prevenir , para que la lucha y la vida de toda esta gente que protagoniza “The Normal Heart”, y muchas más, haya valido la pena.
En su momento, Larry Kramer pudiera parecer un paranoico pero tal vez la intención final fuera que el propio espectador se sometiera al debate y también recordara a todos aquellos que dejaron de estar en ese mundo planteándose distintas preguntas: ¿Realmente el SIDA fue un virus de laboratorio para reducir población en África y ‘castigar’ a los gays? ¿Quién ha lucrado y se ha beneficiado desde la aparición de una de las principales causas de muerte en el mundo? ¿O la negación gubernamental y de los medios a aceptar esa enfermedad provocó la pandemia a gran escala siendo su constatada negligencia la responsable de 36 millones de muertes y miles de infectados diarios?
Los créditos finales nos recuerdan un epílogo todavía sin escribir. Unas líneas finales que también, siguiendo la iconografía de las películas basadas en hechos reales, revelan interesantes detalles de guión, como esas tarjetas sacadas de un rodolex y su destino final dentro de un cajón a modo de tumba y engomadas lápidas. Nos quedan las lágrimas, ya sean de despedida, de esperanza o de impotencia con banda sonora de Simon & Garfunkel (‘The Only Living Boy in New York’).
La cuestión, como esas grandes interpretaciones ante tan potente material, es LA EMOCION.
Por que "The Normal Heart"? Por que nos muestra, desde hechos reales, una epoca reciente de descubrimiento einvestigacion de una "nueva enfermedad", porque nos hace cuestionar nuestros roles ante los desconocido y diferente, porque nos habla de la lucha propia y con/por los demas; pero por sobre todo nos habla de la fuerza interior, nos habla del amor.
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" ‘Arrugas’ es una gran película sobre un tema tan poco explorado en el mundo de la animación como el Alzheimer, siendo además una estupenda adaptación del maravilloso cómic de Paco Roca. Lo curioso es que este tema no es algo que el cine aborde muy a menudo, ya que se ve que las historias sobre jubilados no deben tener suficiente interés comercial; más curioso aún es que haya sido una película de animación española la que venga a ofrecer una visión al respecto.
Ganadora de dos premios Goya y varios premios y nominaciones internacionales, es una película maravillosa que retrata la vejez y el Alzheimer de una forma sensible (no sensiblera), cercana y emocionante sin caer en querer ser lacrimógena.
La enfermedad del Alzheimer no es el único elemento que sostiene la historia, sino que la inevitabilidad de su progreso es lo que sirve para recordarnos que los elementos cómicos van a ir virando de forma progresiva. ‘Arrugas’ cuenta una historia dramática, pero no desaprovecha las muchas posibilidades que tiene para hacer reír al espectador. Y es que con las risas atrapa el corazón del espectador, pero es con los apuntes dramáticos con los que los gana para siempre.
La realidad y ficción se entrecruzan, ya que siempre recordamos con más cariño los momentos en los que lo hemos pasado realmente bien, pero son las tragedias las que realmente marcan nuestro carácter.
Nos encontramos ante una película que apuesta por una sencillez que puede llegar a preguntarse a algunos si no hubiese sido más conveniente rodarla en imagen real, pero la respuesta es un no tajante. Ferreras, su director, logra transmitir una naturalidad sin igual a través de las imágenes, y uno pronto se olvida de que está viendo dibujitos para centrarse en las vivencias de unos personajes que se ganan con rapidez un huequito en nuestros corazones.
La amistad entre Emilio y Miguel está recreada de forma maravillosa, siendo cada uno el perfecto complemento del otro, más formal y ligeramente arisco (consecuencia del Alzheimer) el primero en oposición a la actitud más libertina del segundo. Los vaivenes de la amistad entre ambos son el otro motor de la historia junto al Alzheimer que padece Emilio. No obstante, eso no quiere decir que ‘Arrugas’ descuide al resto de habitantes de la residencia, ya que nunca fue mejor utilizada la palabra entrañable para describirlos, siendo además un flashback que atañe a los orígenes de la relación sentimental de un matrimonio que habita allí el mejor momento de toda la función, y también una formidable secuencia que por si sola justifica el ver "Arrugas".
El film también muestra no pocos apuntes de la amargura asociada a esa edad, algunos de forma más clara y otros de forma más solapada (la anciana que guarda cosas de la comida que dan a los habitantes del lugar) sin caer en dramatismos.
El buen gusto y la emoción son primordiales en este film que trata con respeto la mirada del espectador; es real que el Alzheimer es una cosa muy grave que aún no tiene cura, pero no por ello y eso se tiene presente de a cara a unos espectadores que ya son conscientes de ello. "
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El film Nise-El corazón de la locura, es un documento biográfico que aborda la historia de la doctora Nise da Silveira, medica brasileña internacionalmente reconocida responsable de los cambios en la terapia para el "loco", peyorativamente llamados de esta manera siempre, y los "clientes", como los nombraba en su trabajo en el hospital.
Documenta también , la biografía de un ser humano encarcelado por sus convicciones políticas que al salir de la prisión, la posible privación, la física y la tortura psicológica de la dictadura del Estado, vuelve a trabajar en un hospital psiquiátrico de Río de Janeiro, al servicio activo sin odio, sin rencores y dedicándose desde la compasión y el amor al cuidado de sus "clientes". Los problemas empiezan cuando Nise, impecable interpretación de Gloria Pires, se niega a utilizar el violento electroshock como tratamiento para los esquizofrénicos.
Documenta también , la biografía de un ser humano encarcelado por sus convicciones políticas que al salir de la prisión, la posible privación, la física y la tortura psicológica de la dictadura del Estado, vuelve a trabajar en un hospital psiquiátrico de Río de Janeiro, al servicio activo sin odio, sin rencores y dedicándose desde la compasión y el amor al cuidado de sus "clientes". Los problemas empiezan cuando Nise, impecable interpretación de Gloria Pires, se niega a utilizar el violento electroshock como tratamiento para los esquizofrénicos.
Como consecuencia es derivada al sector de Terapia Ocupacional que está prácticamente desmantelado y en desuso, siendo ridiculizada por sus propios colegas se hace cargo del sector comenzando toda una revolución, dentro de la institucion como en lo social, regida por las pinturas de sus pacientes, los perros (precursora de terapia con animales) y el amor.
La película es una muestra excelente de cómo el arte y la terapia ocupacional son herramientas poderosas para incluir, para incorporar, para "sanar". También es una poderosa denuncia de tiempos no tan lejanos, a menos de un siglo, de las prácticas cotidianas dentro de las instituciones para enfermos mentales.
El guión está vinculado a lo esencial, no sabemos mucho más sobre el pasado de la médica; solo se nos presenta un recorte de su vida y su vastisima obra.
Desde el inicio sus imagenes, cuando llega al hospital y con fuerza golpea la puerta de acero, una pared de acero que esconde en las mazmorras del hospital diatribas medicinales que no se confirmaron, entendemos que estamos frente a una película intensa y fuerte como su protagonista.
Algunas escenas por momentos nos remiten a imagenes del libro "Holocausto brasilero" de la periodista Daniela Arbex sobre los sucesos ocurridos en el nosocomio de Colonia Barbacena en Brasil y de la colonia Montes de Oca en Argentina.
Algunas escenas por momentos nos remiten a imagenes del libro "Holocausto brasilero" de la periodista Daniela Arbex sobre los sucesos ocurridos en el nosocomio de Colonia Barbacena en Brasil y de la colonia Montes de Oca en Argentina.
El director del film nos presenta al final, sorprendiéndonos positivamente, con escenas documentales de la propia Nise da Silveira.
Película importante en el sentido de la conciencia del otro, incluso en estado psicótico, demostrando que se es capaz de crear y mejorar a través del arte y el tratamiento compasivo y humano. Se muestra la lucha por superar la institucionalización de los enfermos mentales sometidos a golpes y la lobotomía.
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| "Si yo conociera el camino me gustara llevarte a casa" - Grateful Dead |
"La música nunca se detuvo" es un film basada en un caso clínico publicado por el eximio neurólogo inglés Oliver Sacks que lo publico en el libro "Un antropólogo en Marte" y lo titulo "El ultimo hippie".
La película transcurre en la década de los años 80 y nos presenta un conflicto generacional clásico entre padre e hijo que se remonta a los movidos años 60.
Gabriel, es hijo único, joven vital y amante del rock, vocalista de una banda cuyos ideales le llevan a un choque cultural con sus padres, Henry y Helen Sawyer, quienes le obligan a marcharse de casa. Gabriel, durante 20 años no mantiene contacto con sus padres y el reencuentro se produce en un hospital debido al diagnóstico de un tumor cerebral; la localización del tumor hace que Gabriel sea incapaz de distinguir entre el pasado y el presente.
Solo lo emociona y le permite recordar la música que él escuchaba en esa época: Bob Dylan, Los Beatles, Stills and Nash, Los Rolling Stones y muy particularmente. los Grateful Dead.
Puesto que el equipo medico no consigue dar con herramientas con las cuales responder a la demanda de los padres para que éstos logren comunicarse de manera eficaz con el hijo, el padre consigue encontrar una terapeuta musical, para que le ayude en ese difícil camino. "Y aquí se obra un pequeño milagro que emociona al espectador."
En secuencias retrospectivas, conocemos el amor a la música que esta familia comparte. La música despierta a Gabriel pero no cualquier música; tiene que ser aquel rock de los 60 que el escuchaba antes del incidente clínico. Así que el padre, que desea desesperadamente reconectar con el hijo a quien echó de la casa, deberá aprender a amar la música que ocasionó el distanciamiento.
Una de las cosas más bonitas que nos muestra la película es la capacidad de la música para transportarnos a viejos recuerdos, poder revivirlos y emocionarnos.
Una escena curiosa de la película que da cuenta de lo intrincado del funcionar de nuestro cerebro, en este caso de la memoria, es ver a Gabriel pasar de un estado casi catatónico a una respuesta emocional sorprendente al tocar con una trompeta que le deja su padre el inicio de "La Marsellesa". Ante esta señal, la terapeuta musical le pone un disco de dicho himno e inicialmente Gabriel se emociona, pero luego le sobreviene un malestar que nos resulta incomprensible. Por obra de la casualidad y cierta perseverancia de la terapeuta logra encontrar y dar una respuesta a dicho comportamiento. "La Marsellesa " es el preludio de la famosa canción de los Beatles "All yuo need is Love"; por lo cual al escuchar sólo el himno, Gabriel se sentía frustrado porque no era esa la canción que quería escuchar, sino la de los Beatles. Al ponerle el disco con la canción, se emociona y comienza a poder expresar minuciosamente sus sentimientos remontados a esa época.
Una de las mejores cosas de esta película es la manera en que actúa de forma propia la musicoterapia sobre el espectador, pues deja a la audiencia perdida en sus propios recuerdos. La música es un factor importante para crear la identidad humana y, tal como dice Oliver Sacks, somos una especie tan lingüística como musical.
Una de las mejores cosas de esta película es la manera en que actúa de forma propia la musicoterapia sobre el espectador, pues deja a la audiencia perdida en sus propios recuerdos. La música es un factor importante para crear la identidad humana y, tal como dice Oliver Sacks, somos una especie tan lingüística como musical.
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| Dr. Oliver Sacks |
Por que "La música nunca se detuvo? Por mostrarnos el valor terapéutico de la música, de la estrecha relación entre la música, los recuerdos y emociones; por que lleva a la pantalla un caso clínico del gran estudioso del cerebro, el Dr Oliver Sacks y por que nos habla de la comunicacion y los afectos dentro del sistema familiar.
y disciplinas para la salud, "vinculados" por una misma mirada de empatía,
compasión y respeto en el vinculo con el paciente.
Teléfono fijo:3964.4062 / Celular: 155.824.4707
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Campo Vincular Salud recomienda...
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La pagina "Películas Recomendadas" de este blog está dedicada a las películas que traten sobre los tópicos SALUD/ENFERMEDAD.
Historias reales o ficciones de personas con cualquier tipo de enfermedad, así como su entorno hospitalario, familiar y/o social, o sobre algún tipo de enfermedad y sus consecuencias. Debido a la propia naturaleza de la temática suelen ser películas dramáticas en donde se hace hincapié en los conflictos internos y entre sí de los personajes aunque muchas de ellas suelen tratar dichas temáticas desde la comedia dramática.
Cabe incluir en esta lista también, documentales, bioepic de quienes han superado o nos han dejado un gran aprendizaje luego de padecer ciertas enfermedades y biografías de aquellos que desde la ciencias medicas han contribuido al desarrollo de las mismas.
También serán incluidas películas que traten sobre epidemias y donde por lo general, se cuenta como la sociedad sufre algún tipo de enfermedad infecciosa en su conjunto y se ponen en marcha mecanismos que tratan de evitar y atajar con todos los medios disponibles la desestructuración que puede producirse como consecuencia.
Otras películas trataran sobre enfermedades mentales, aunque generalmente son dramas, también las hay en tono de comedias, donde se exploran temas como la depresión, alzheimer, alcoholismo, esquizofrenia, etc y generalmente se aproveche para explorar diferentes aspectos de la psicología humana.
En cada una de ellas queremos hacer resaltar las diferentes miradas: histórica, social, política-económica, antropológica, etc que se ha tenido y tiene sobre los conceptos SALUD/ENFERMEDAD.
Esperamos despierten su inquietud y reflexion. Abrazos: Campo Vincular Salud.
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Este film esta basado una historia real, se basa en el ensayo de George Devereux: REALIDAD Y SUEÑOS: psicoterapia de un indio de los llanos", (Reality and Dream: Psychotherapy of a Plains Indian" 1951)
Jimmy P. nos acerca a un personaje histórico no muy conocido, pero bien relevante para los avances científicos del siglo veinte. Se trata de Georges Devereux, etnólogo y psicoanalista considerado el fundador de la etnopsiquiatria.
Fue uno de los primeros en afirmar que el psicoanálisis es para todas las personas, y no sólo para la clase media alta, como se acostumbraba en los inicios de su práctica.
James Picard, interpretado por Benicio del Toro, es un nativo de América del Norte, excombatiente en la Segunda Guerra Mundial, luchando en Francia, sufre un accidente y se cree que se ha fracturado el cráneo. A partir de ese momento, atraviesa una serie de crisis en las cuales experimenta distintos niveles de pérdida de conciencia. Desde su hogar, junto a su hermana y cuñado en Montana, es trasladado a la clínica de veteranos de guerra Menninger, en Topeka, Kansas. Allí entabla una relación muy particular con Georges Devereux, interpretado por Mathieu Amalric.
Jimmy es el único veterano al que no se le encuentran daños corporales, sin embargo nadie duda que está enfermo y necesita ayuda del plantel médico. Devereux comienza a mantener sesiones de psicoanálisis con su paciente, principalmente analizando los sueños. En un proceso lento y doloroso, Jimmy logra entender ciertos mecanismos de su psiquis, logrando llegar al fondo de sus problemas.
Este film esta basado una historia real, se basa en el ensayo de George Devereux: REALIDAD Y SUEÑOS: psicoterapia de un indio de los llanos", (Reality and Dream: Psychotherapy of a Plains Indian" 1951)
Jimmy P. nos acerca a un personaje histórico no muy conocido, pero bien relevante para los avances científicos del siglo veinte. Se trata de Georges Devereux, etnólogo y psicoanalista considerado el fundador de la etnopsiquiatria.
Fue uno de los primeros en afirmar que el psicoanálisis es para todas las personas, y no sólo para la clase media alta, como se acostumbraba en los inicios de su práctica.
James Picard, interpretado por Benicio del Toro, es un nativo de América del Norte, excombatiente en la Segunda Guerra Mundial, luchando en Francia, sufre un accidente y se cree que se ha fracturado el cráneo. A partir de ese momento, atraviesa una serie de crisis en las cuales experimenta distintos niveles de pérdida de conciencia. Desde su hogar, junto a su hermana y cuñado en Montana, es trasladado a la clínica de veteranos de guerra Menninger, en Topeka, Kansas. Allí entabla una relación muy particular con Georges Devereux, interpretado por Mathieu Amalric.
Jimmy es el único veterano al que no se le encuentran daños corporales, sin embargo nadie duda que está enfermo y necesita ayuda del plantel médico. Devereux comienza a mantener sesiones de psicoanálisis con su paciente, principalmente analizando los sueños. En un proceso lento y doloroso, Jimmy logra entender ciertos mecanismos de su psiquis, logrando llegar al fondo de sus problemas.
La relación entre este médico y su paciente se basa en el respeto. Devereux se acerca a Jimmy haciendo preguntas muy personales, pero de manera muy sutil. Ambos tienen fascinación mutua por sus diferencias culturales, y la confianza que desarrollan deviene finalmente en una amistad. Un dialogo para recordar es cuando Jimmy le confiesa a su analista que no soporta estar en un lugar donde tanta gente tiene enferma el alma. Las imagenes surrealistas y muy coloridas de los sueños y los planos de las planicies de la tierra de sus origenes contrarrestan habilmente las sordidez de las imagenes hospitalarias.
Por que Jimmy P. ?... Porque denuncia injusticias no solo en el ambito medico sino la opresion de tribus aborigenes confinadas a vivir en "reservas"; por el vinculo que se establece entre paciente-profesional, por mostrar como se cataloga a pacientes sin tener en cuenta su contexto familiar y social, y por mostrarnos parte de los inicios de la psiquiatria psicoanalitica y el trabajo con los sueños.
Trailer en: https://youtu.be/N_nbxiXE0tk
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